A origem do Poderoso 12 cordas
por Michael Simmons
Acoustic Guitar, Nov. 1977
É dificil imaginar que a música popular poderia soar sem o violão de 12 cordas. Algumas das músicas mais divundidas dos anos 60 devem seu poder a distintivo que Pete Seeger descreveu como “O toque dos sinos”. Canções como “Goodnight, Irene,” Rock Island Line,” “Walk Right In,” Stairway to Heaven,” “Turn! Turn! Turn!” e “Hotel California” mostram que uma cor importante a corda de 12 está na paleta sonora de guitarristas do século XX. Músicos tão variados como Melissa Etheridge, Pete Seeger Leo Kottke, Leadbelly, Roger McGuinn, George Harrison e Willie McTell fizeram do 12 cordas parte integrante de sua música. Neste artigo vou seguir o desenvolvimento do moderno 12 cordas até os jogadores e os fabricantes que estão guiando o instrumento através dos anos 90.
Origem das Espécies
O moderno violão de 12 cordas foi visto primeiro na América, um pouco antes da virada do século. O nome do primeiro Luthier que dobrou o número de cordas do violão, cujo padrão era seis, é desconhecido. Mas, há duas teorias sobre seu passado.
A primeira é que o violão de 12 cordas foi desenvolvido pelo luthiers italianos que trabalhavam em oficinas de companhias como Oscar Schmidt, Harmony, and Regal em Nova Iorque e Chicago. A música italiana tem uma longa história A música italiana tem uma longa história de fio-corda, instrumentos de duplo curso como o bandolim e porque muitos dos construtores eram de ascendência italiana, seria uma experiência natural para dobrar as cordas de um padrão de seis cordas do violão.Um dos violonistas de 12 cordas mais famoso do mundo tem uma forte conexão italiana. De acordo com a lenda da família, Leadbelly costumava encomendar seu famoso Stella 12 cordas de Fulvio Pardini, que trabalhou para a empresa Oscar Schmidt em Nova Jersey.
A outra teoria é que o violão de 12 cordas chegou aos Estados Unidos, vindo do México. A América Latina tem uma longa história de variações do violão padrão de seis cordas. Estes incluem instrumentos como o tiple, o charango, e o cuatro. O México tem um número particularmente grande de variações do violão que variam do violão de toque diminuto ao violão maciço.
Mexican mariachi band
Nos Estados Unidos, a Idéia de que o violão de 12 cordas é um instrumento mexicano é antiga. Um catálogo de Lyon e Healy, publicado por volta de 1905, enumera três modelos de “violões de 11 e 12 cordas (estilo mexicano)”. A designação mexicana foi usada para distinguir o violão de dupla corda do “baixo de 12 cordas”, que era um tipo de harpa de violão. É curioso que o catálogo menciona dois modelos de violão de 11 cordas, mas apenas um de 12 cordas. Da descrição, parece que o violão de 11 cordas foi baseado em um violão de sete cordas com quatro baixos dobrados e três simples agudos.
Para barrar ainda mais as águas já tenebrosas da história do violão de 12 cordas, havia uma companhia em Nova Orleans chamada Grunewald que fez um violão de duplo-curso em 1904. Seu catálogo retrata um violão de 12 cordas descrita como “The Grunewald Harp-Guitar: A New Invention! “, Que tem” Twice o tom de qualquer violão. ”
Grunewald Ad
Independentemente de quem inventou o violão de 12 cordas, foi considerado um instrumento de novidade. Exceto por uma ordem muito ocasional, os fabricantes mais prestigiosos como Martin e Gibson deixaram o mercado de 12 cordas para os construtores low-end. Esta é uma forte indicação de que os compradores de 12 cordas estavam no final mais pobres da escala social. Na verdade, muitos, se não a maioria, das primeiras gravações de violões de 12 cordas são de músicos de blues na Geórgia e músicos tejanos mexicanos no Texas. Parece que os primeiros músicos a tocar o 12-corda foram artistas de rua. Eles provavelmente foram atraídos para o volume extra as cordas duplas acrescentado. Como as cordas dobradas tinham um som tão completo e rico, um busker podia trabalhar sem outros músicos e manter todos os lucros.
Blues de Willie McTell
Um dos melhores jogadores iniciais para explorar o poder do 12 cordas foi o violonista de Atlanta Blind Willie McTell. Atlanta era o centro para o blues do Piedmont, um estilo ragtime-baseado do violão notável para seus fingerpicking complexos e dirigindo baixo. McTell foi um dos violonistas mais bem sucedidos de uma empresa que incluiu violonistas como Blind Boy Fuller, Blind Blake, Reverendo Gary Davis e o violonista de 12 cordas Barbecue Bob.
McTell nasceu cego em 1898 em Thompson, Geórgia, mas nunca deixou que sua falta de visão o atrasasse. Viajou extensivamente por toda a América, quase sempre sozinho. Ele foi capaz de navegar no sistema de metrô de Nova Iorque, enfiar uma agulha, costurar e ler Braille. McTell veio de uma família musical e ele rapidamente aprendeu violão e logo estava tocando em jukes, restaurantes e festas locais. Por volta de 1922, ele parou de tocar violão e começou a frequentar a escola de Geórgia para cegos. Aparentemente os calos de tocar violão impediu sua capacidade de aprender a ler Braille. Em 1927, ele pegou o violão novamente, desta vez escolhendo o de 12 cordas para a qual ele se tornou famoso.
Blind Willie McTell
A partir desse momento, McTell apoiou a si mesmo e sua esposa ao tocar música. Começou a fazer discos, muitos sob pseudônimos como Georgia Bill, Hot Shot Willie, Barrel House Sammy e Pig ‘n’ Whistle Red. Ele foi capaz de explorar plenamente a gama de 12 cordas e trazer novas cores tonais. Ele poderia imitar os ritmos sincopados de um piano de ragtime em uma melodia como “Georgia Rag” e recriar uma viagem de trem em “Travelin ‘Blues”, completa com gargalo de trem assobios.
Embora apenas algumas fotos de McTell sobreviveram, parece que ele tocou violões feitos por Stella. Stellas foram feitas em Nova Jersey e vendidos através de catálogos sob uma variedade de nomes. Eles foram favorecidos pelos primeiros tocadores de 12 cordas, porque embora eles eram baratos, eles foram bem feitos e levantou-se a tensão extra muito bem.
Lydia Mendoza
No Texas, o violão de 12 cordas foi um dos instrumentos utilizados pelos mexicanos-americanos, quando começaram a criar uma identidade musical em seu novo país. Uma das primeiras estrelas neste novo estilo que veio a ser chamado de música tejano foi Lydia Mendoza.
Mendoza nasceu em 1916. Seus pais foram refugiados da violência da Revolução Mexicana e trabalharam na América como músicos errantes. Quando tinha sete anos, Mendoza era proficiente em violão e bandolim. Quando tinha doze anos, a família foi a San Antonio para responder a um anúncio de jornal procurando por cantores. Lydia Mendoza fez sua primeira aparição no registro em 1928, cantando e tocando bandolim com sua família. Eles receberam US $ 140 por 20 músicas. Usaram o dinheiro para mudar-se para o norte para trabalhar nos campos da beterraba de açúcar de Michigan, mas a família retornou logo ao sul a San Antonio.
Lydia Mendoza
Os Mendoza encontraram trabalho tocando no enorme mercado de produtos ao ar livre. Por esta altura, a adolescente Lydia tinha começado a tocar violão de 12 cordas. A família descobriu que Lydia, com sua voz poderosa e boa aparência, ganhava mais dinheiro quando cantava sozinha do que quando se apresentava com a família. Palavra do jovem cantor chegou a Manuel Cortez, que dirigia um programa de rádio em língua espanhola, e como sua popularidade cresceu, ela foi convidada a gravar novamente, desta vez como cantora solo.
O primeiro disco solo de Mendoza (e primeiro hit) foi “Mal Hombre”, uma poderosa canção sobre um homem de coração malvado que leva uma pobre garota a desviar-se. Ela aprendeu as letras de uma embalagem de goma de mascar. Seus registros de tempos difíceis e corações quebrados rapidamente se tornou popular em todo o Sudoeste e México. Ela nunca esqueceu suas raízes e costumava cantar para os mais pobres trabalhadores agrícolas, ganhando-lhe o nome de “La Cancionista del los Pobres”. Lydia parou de se apresentar no final dos anos 30 para criar uma família. Ela voltou no início dos anos 50, e sua carreira continuou a prosperar como se ela nunca tivesse saído. Ela continuou a atuar até sua aposentadoria nos anos 80.
Rei das 12 cordas
Os mexicano-americanos não eram os únicos violonistas do Texas atraídos pelos 12 cordas. Por volta de 1912, um jovem Huddie (“Leadbelly” Ledbetter, que estava viajando com um ainda mais jovem Cego Lemon Jefferson, comprou um Stella 12-string usado em uma loja de penhores Dallas depois de ouvir um jogado por um músico em um show de medicina.O jovem guitarrista Levou seu novo instrumento para uma festa naquela mesma noite.A descrição de sua entrada naquela festa também foi seu desafio para o mundo: “Coloquei meu pé na soleira da porta e meu dedo nas cordas e disse: ‘Aqui está Leadbelly'”.
É muito raro que a música de um músico assim defina um instrumento. Não é uma declaração irracional dizer que sem Leadbelly o violão de 12 cordas teria desbotado na obscuridade. O estilo rural do tocador de blues inicial como Blind Willie McTell estava sendo substituído por novos sons urbanos. Na música mexicano-americana, os violões e as mandolinas estavam sendo substituídas por acordeões e instrumentos de brass band. Sem Leadbelly defendendo a 12 cordas nos anos 30 e 40, provavelmente teria passado para a categoria de curiosidade histórica, juntamente com violonistas de harpa e bandolim baixo.
O esboço da vida de Leadbelly é familiar, com muitas partes atingindo o status de lenda. Ele nasceu em Louisiana em 1888 em uma pequena fazenda. Como ele cresceu, ele aprendeu a trabalhar duro e também jogar duro, entrando no primeiro de muitos run-ins com a lei, enquanto ainda um adolescente. Ele se apoiava como um trabalhador agrícola, colhedor de algodão e cowboy. Ao longo do caminho ele aprendeu a tocar piano, concertina (que ele chamou de “windjammer”), bandolim e violão.
Leadbelly
Em 1917, Leadbelly foi condenado por assassinato e sentenciado a trinta anos na Fazenda da Prisão do Estado de Shaw, no Texas. Com sua capacidade de trabalhar duro e fazer música, ele se tornou um prisioneiro popular com guardas e condenados. Em 1923, o governador do Texas, Pat Neff, ouviu Leadbelly realizar em uma turnê da fazenda de trabalho. Leadbelly escreveu uma canção pedindo perdão, e em 1924, em um de seus últimos atos antes de deixar o cargo, Neff perdoou Leadbelly.
Embora ele estivesse agora livre, Leadbelly não conseguiu ficar longe de problemas, e em 1930 ele estava de volta à cadeia, desta vez em acusações de assalto. Foi condenado a dez anos de trabalhos forçados na infame Penitenciária de Angola, na Louisiana. A vida em Angola foi brutal, e depois de uma tentativa de fuga falhada Leadbelly elenco sobre uma maneira legal de sair. Ele se candidatou à comissão de liberdade condicional para comutar sua sentença.
Ao mesmo tempo, um folclorista chamado John Lomax estava à procura de músicos que conhecessem canções antigas. Lomax pensava que as prisões, onde os presos seriam menos afetados pelas mudanças no mundo exterior, seria o melhor lugar para se olhar. Ele contactou o diretor de Angola, que o apresentou a Leadbelly, e as vidas dos dois homens foram mudadas para sempre.
Em Leadbelly, Lomax encontrou o repositório de música popular que ele procurava e muito mais. Leadbelly parecia ser capaz de se lembrar de quase todas as canções, holler de campo e música de dança que ele já ouviu, e ele era um artista poderoso e carismático. Leadbelly ligou-se com Lomax no que acabou por ser um relacionamento complexo e controverso.
No início, Leadbelly e Lomax deram bem. Leadbelly trabalhou como motorista, assistente e ligação entre Lomax e comunidades afro-americanas locais na música de Lomax que coleta viagens no sul. Mais tarde foram para o norte, onde Lomax deu palestras e Leadbelly tocou suas canções. Essas conferências / concertos foram, em sua maioria, dados em contextos acadêmicos, como colégios ou conferências acadêmicas. Em seguida, eles atingiram Nova York.
A história do condenado que cantava para sair da prisão era muito boa para os jornais deixarem passar. Saltaram sobre a história, e durante a noite Leadbelly foi o assunto de manchetes sensacionais como o “cantor doce dos Swamplands aqui para fazer alguns acordos entre Homicides” e “Murderous Minstrel.” As ofertas do concerto e do filme vieram dentro, mas Lomax e Leadbelly eram despreparados Para a notoriedade e logo teve uma queda-out sobre o dinheiro.
Leadbelly tentou jogar para o público negro, mas havia muito pouco interesse. Um grande show foi montado no Apollo, mas foi um desastre. As sofisticadas multidões urbanas não estavam apenas interessadas em ouvir o blues rural e as canções folclóricas antiquadas. Embora ele não pudesse ter sucesso em Harlem, Leadbelly encontrou um público novo e inesperado em Greenwich Village. O trabalho de John Lomax e seu filho Alan despertaram um interesse pela canção popular entre os intelectuais esquerdistas, e Leadbelly foi elogiado como um tesouro vivo. Leadbelly tornou-se uma estrela da cena folclórica pré-guerra. Suas canções foram gravadas pela Biblioteca do Congresso e por Moe Asch, que mais tarde começou Folkways Records. Canções como “Fannin Street”, “Midnight Special” e “Rock Island Line”, foram estudadas e realizadas por aspirantes folksingers. Em maio de 1949, Leadbelly foi diagnosticado com a doença de Lou Gehrig, e seis meses depois ele estava morto. Um ano mais tarde sua canção, “Goodnight, Irene”, cantada pelos tecelões, era a canção a mais popular em América.
Como muitos dos primeiros jogadores de 12 cordas, Leadbelly tocou um Stella 12-corda, que ele sintonizado para baixo para C. O menor passo deu ao violão um tom rico, florescente. Stellas eram maiores do que as outras 12 cordas sendo feitas no momento, medindo 16 polegadas em toda a luta inferior. O corpo maior também produziu o volume mais alto que era tão importante no mundo do violão.
Revival dos anos 60
Após a passagem de Leadbelly, ninguém imediatamente apareceu para continuar a tradição de 12 cordas. Era como se os músicos se abstivessem de interpretá-lo como um sinal de luto. Apenas alguns guitarristas, como Dick Rosmini, Fred Gerlach e Pete Seeger, mantiveram a tradição de 12 cordas viva. Seeger interpretou-o com os tecelões e da faculdade à faculdade, no que chamou de “50 assustados”. Em uma entrevista inédita com Andrew DeLory, Seeger disse que considera seu papel em espalhar o 12 cordas como “um dos trabalhos mais importantes Eu já fiz. ”
Pete Seeger
No final dos anos 50, a invenção de Pete Seeger, o banjo de cinco cordas de pescoço longo, era o instrumento emblemático da cena folclórica. Grupos populares como o Kingston Trio e os Limeliters reforçaram a percepção de que se não tivesse um banjo não era folk. Mas em 1963 dois registros vieram para fora que derrubaram o banjo fora de seu trono. Ironicamente, o primeiro álbum foi “We Shall Overcome” de Pete Seeger, que foi gravado ao vivo no Carnegie Hall em 8 de junho de 1963. Seeger usou o poder e a novidade do 12-cordas para atrair pessoas para ele como os buskers e os ambulantes de show de medicina fizeram no Infância do instrumento. Mas ao invés de óleo de cobra, Seeger estava vendendo canções de justiça e liberdade. O volume extra e o som completo do violão de 12 cordas tornaram-no perfeito para liderar os sing-alongs que eram uma parte importante do movimento dos direitos civis.
O outro recorde para trazer o 12-corda para maior destaque foi “Walk Right In”, pelo Rooftop Singers, um trio que contou com a direita e canhotos Gibson J12-45s de Eric Darling e Bill Svanoe. Esta velha canção Gus Cannon foi para a direita para o topo das paradas, eo boom de 12 cordas estava em.
Logo o 12 cordas estava em toda parte. O Chad Mitchell Trio apresentou um jovem músico chamado James McGuinn estava trabalhando em arranjos para um disco de Judy Collins quando ele teve a idéia de tocar o que ele chamou de “riff de Bach” na música de Pete Seeger, “Turn! Virar! Turn! “Um par de anos mais tarde ele se lembraria disso e usá-lo em sua nova banda de rock, os Byrds.
As gravadoras lançaram álbuns rápidos feitos por grupos com nomes como Folkswingers e Folkniks. Enquanto esses grupos incluíam guitarristas como Howard Roberts, Glen Campbell e Tommy Tedesco, dificilmente poderiam ser chamados grupos de dobra. E os principais atos começaram a ser “folk” também. Bobby Darin adicionou uma seção popular a seu ato de Vegas com o McGuinn prolífico segurando os deveres de 12 cordas. Até mesmo veneráveis cantores como Marlene Dietrich entraram em cena, gravando músicas como “Sag Mir wo die Blumen Sind (onde as flores foram)” e “Paff der Zauberdrache”.
Durante este período de boom, empresas como Gibson e Martin que ignoraram o 12-string em sua infância pulou para ganhar dinheiro em sua adolescência. Gibson introduziu o J12-45 e B12-25, e Martin trouxe para fora o D12-20 e D12-35. Guild, uma pequena empresa lutando para encontrar um nicho, descobriu que é um pouco mais pesado modelos como o F-212 poderia ser afinado até passo padrão, e estes instrumentos começaram a aparecer nas mãos de músicos como Paul Simon e John Denver.
Mas antes de muito tempo a saturação da mídia tornara o clipe acústico de 12 cordas. Como a versão desconectada desapareceu de vista, a nova versão elétrica, inventada por Rickenbacker, tomou o seu lugar. George Harrison, o primeiro músico a usar o instrumento inovador, começou uma corrida em Rickenbackers. Jim McGuinn mudou seu nome para Roger e transferiu o lessens que ele aprendeu como um folkie acústico para o elétrico de 12 cordas e inventou folk-rock. Canções como “Mr. Tambourine Man “, e Turn! Virar! Turn! “Introduziu um novo som cujas permutações ainda estão sendo exploradas. Led Zeppelin aprendeu a lição de misturar o melodicismo do folk com o poder do rock e veio com “Stairway to Heaven”. Tom Petty deve grande parte do seu estilo à música que os Byrds fizeram na “jingle jangle morning” dos anos 60 .
Kottke entra em cena
Embora o violão de 12 cordas desapareceu das cartas, não morreu. Recuou para pequenos clubes e cafés onde jogadores como Peter Lang, Robbie Basho e Leo Kottke começaram a explorar as possibilidades sonoras de 12 cordas.
Kottke em particular é visto como o grande inovador de 12 cordas após Leadbelly. Com uma prodigiosa técnica, ele misturou uma improvável mistura de blues, folk, clássico e jazz em um estilo completamente pessoal. Ao longo dos anos 70, Kottke manteve o solo de 12 cordas vivas em uma era que estava mais interessado em dançar disco, rocking de estádio e punk zombaria. Ele tocou vários violões de 12 cordas ao longo dos anos, incluindo instrumentos feitos por Gibson, Bozo e Martin.
Leo Kottke
No final dos anos 70, os problemas com as mãos forçaram Kottke a abandonar os 12 cordas e durante dez anos ele não tocou um em concerto. Ele começou a experimentar com diferentes posições de mão e técnicas de picking, e no final dos anos 80, ele começou a tocar um Taylor 55 mogno de 12 cordas. Bob Taylor olha para trás sobre este evento com orgulho “, Leo me chamou um dia para dizer que ele tinha ficado até 4:30 da manhã tocando minha guitarra, e começando com o show naquela noite ele estava jogando a 12 cordas em concerto novamente. Foi a minha guitarra que conseguiu o rei de 12 cordas para jogar 12 cordas novamente! ”
Ao longo dos anos, o luthier eo músico trabalharam juntos para criar uma guitarra que atendesse às demandas de Kottke, e em 1990 o Leo Kottke Signature Model foi introduzido. Curvando a tendência para 12 cordas que poderia ser ajustado para E, o modelo Kottke foi projetado para ser ajustado para baixo para C #, em efeito tornando-se uma versão moderna do Stellas velho. Também é único em ser o primeiro artista projetado e endossado guitarra de 12 cordas.
O sucesso de Kottke abriu a porta para outros jogadores. Dois violonistas para aproveitar as novas oportunidades foram Harvey Reid e Paul Geremia. Reid cresceu ouvindo música folclórica de músicos como o Kingston Trio e Pete Seeger. Quando saiu para comprar sua primeira guitarra, ele escolheu um Hoyer de 12 cordas. Ao longo dos anos Reid aprimorou sua técnica até o ponto em que ele é capaz de escolher apenas uma corda das cordas emparelhadas, permitindo-lhe um intervalo tonal muito mais amplo. Na ocasião, ele também toca o banjo de guitarra de 12 cordas, um instrumento feito pela Deering Banjo Company e inventado pelo músico da costa oeste Barry Hunn.
Paul Geremia
Paul Geremia nasceu no que ele chama de Providence River Delta de Rhode Island. Ele desenvolveu um interesse que eu blues em uma idade adiantada, particularmente o trabalho de Blind Willie McTell. Hew foi capaz de ver muitos dos grandes músicos de blues redescobertos, como Son House, Skip James, Fred McDowell e Pink Anderson, em vários folk e festivais de blues no início dos anos 60. Geremia desenvolveu um estilo ao longo dos anos que se baseia nos primeiros blues acústicos de tocadores como Robert Johnson e Charley Patton, mas ainda é totalmente seu. Sua principal guitarra de 12 cordas é um modelo de Tonk Brothers feito por Stella, semelhante ao que Willie McTell jogou. Geremia tem sido aclamado pela crítica como um dos mais talentosos guitarristas que trabalham na tradição acústica do blues.
Na Era MTV
Violonistas como Kottke, Geremia e Reid, que começaram a tocar nos anos 60 e 70, estão se tornando os grandes velhos do 12 cordas. Mas para sobreviver, o instrumento precisa de sangue novo. A guitarra de 12 cordas não é nem de longe tão onipresente como era nos anos 60, mas o instrumento e suas tradições surgem aqui e ali no meio de músicos mais jovens. Melissa Etheridge é talvez o artista mais visível atualmente tocando um 12-corda. Seu poderoso ataque rítmico em sua guitarra Adamas desmente a imagem do cantor-compositor como um fornecedor de wispy, baladas introspectivas. Guy Davis é um jovem performer de Nova York que está revivendo o estilo de 12 cordas de Blind Willie Johnson e outros músicos de blues pré-guerra. Ele é um forte guitarrista e cantor que gosta de integrar sua música em produções teatrais. Em 1993, interpretou Broadway no papel-título da peça, Robert Johnson: Trick the Devil.
No Nirvana 1993 MTV Unplugged especial, Kurt Cobain fechou o show com uma versão assombrando de Leadbelly “Where Did You Sleep Last Night?” Em um artigo do New York Times escrito após o suicídio de Cobain, Eric Weisbard descreve Cobain e seu amigo Mark Lanegan ouvindo o velho Leadbelly 78s como crianças. Em 1990 Cobain e Lanegan gravaram um EP inédito de canções de Leadbelly. Cobain não grava sua versão com 12 cordas, optando por usar um Martin D-18E, mas sua entrega da canção, por vezes conhecido como “In the Pines” deve muito de sua qualidade ninhada de Leadbelly. Talvez um jovem violonista traçará a versão de Cobain de volta à tomada acústica de 12 cordas da Leadbelly e será inspirado a integrar o instrumento antigo com uma sensibilidade moderna e levar a tradição ao século XXI.
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